深耕巴渝沃土，孵化戏剧新生——专访“戏剧房子”剧本演读活动导演颜璟莹

文/蹇允之

引言

颜璟莹，重庆市话剧院青年演员。中国戏剧文学学会戏剧表演专业委员会会员；重庆市戏剧家协会会员；中戏文戏剧文化提升工程全国戏剧表演教师；主演过大批优秀话剧，电影电视剧等，主演作品《卷》获重庆市第八届戏剧曲艺大赛一等奖，主演作品《秃头歌女》获首届全国小戏小品展演优秀作品奖，出演作品《谁在敲门》获第十九届中国戏剧节优秀剧目奖等。从舞台上的表演者，到剧本孵化一线的导演，她完成了从演员到创作者、孵化者的身份蜕变，成为重庆戏剧生态建设中兼具实践经验与创新思维的中坚力量。作为连续两年深度参与“戏剧房子”演读活动的核心导演，颜璟莹全程扎根“渝本计划”孵化一线，先后执导《一个独居女人的三本书》《雨水玫瑰和最后的人类》《第七天》《两室一厅》《何以为刀》《东风的歌》六部签约作品，她兼具演员的细腻感知与导演的全局把控，深谙本土戏剧创作痛点，更懂孵化生态的培育逻辑，始终以“让重庆故事立起来、活起来、传开来”为初心，扎根“渝本计划”的前沿孵化阵地，为重庆戏剧破解“剧本荒”、培育新生力量注入源源不断的活力。在《戏剧振兴三年行动计划（2026-2028）》发布，重庆戏剧迎来高质量发展的黄金机遇期，我们有幸与颜璟莹深入对谈，从战略布局、演读内核、圈层共生到人才培育、未来展望，走进她的创作世界，聆听她的思考与坚守。

深耕布局

破局剧本荒，筑牢本土创作根基

巴渝文化底蕴深厚，红色资源、三峡题材、市井故事浩如烟海，从不缺动人的本土故事，却曾长期面临“好故事难成好剧本、好剧本难登大舞台”的尴尬困境。在颜璟莹看来，重庆戏剧的核心痛点，从来不是故事匮乏，而是缺乏将原生故事转化为成熟剧作的完整孵化机制，“我们的文化土壤足够肥沃，但缺少让种子破土、生长、结果的培育方法”。

允之：作为连续两年深度参与“戏剧房子”演读活动的核心导演，您如何理解重庆市艺术创作中心发起“渝本计划”和“戏剧房子”这一战略布局？这两个项目对于破解重庆戏剧“剧本荒”、构建创作孵化闭环有着怎样的意义？

颜璟莹：重庆市艺术创作中心推出的“渝本计划”与“戏剧房子”，是重庆戏剧发展进程中极具前瞻性的战略布局，更是破解本土戏剧困境的“破局之棋”。长期以来，重庆戏剧创作存在“散、弱、断”的问题：民间创作力量分散，优秀剧本难以被看见；青年创作者缺乏成长通道，创作能力难以提升；成熟作品缺少试错空间，从文本到舞台的转化风险高。

而“渝本计划”就像一座蓄势聚能的水库，通过资金扶持、创作训练营、资源对接等方式，打破身份壁垒，不拘一格吸纳川渝乃至全国的编剧人才，把散落在民间、校园、各行各业的创作力量全部蓄积起来，让每一份创作热情都能被看见、被支持。比如“戏剧房子”剧本演读活动，不仅联动和市剧协和重演股份，还引入了民营院团重庆剧80剧社，在此基础上，“戏剧房子”更是一座开放包容的创作实验室，以低成本、轻量化的演读形式，让纸面文字变成有声、有动作、有情感的舞台雏形，让剧本在正式排演前接受市场检验、观众反馈，把潜在问题提前暴露、提前解决，极大降低了从文本到制作的决策风险。

简单来说，“渝本计划”负责“蓄水育苗”，解决“有没有好剧本”的问题；“戏剧房子”负责“试苗炼苗”，解决“好剧本能不能立住”的问题。两者相辅相成、环环相扣，共同构建起“创作—孵化—转化”的完整闭环，从根源上破解了重庆戏剧“剧本荒”，为本土戏剧创作筑牢了最坚实的根基。

允之：作为中国西部地区首创的剧本文学全链条孵化项目，您如何评价“渝本计划”“戏剧房子”这种全链条模式的创新价值？

颜璟莹：这套模式最核心的创新，在于打破了戏剧创作的圈层壁垒与流程壁垒，让戏剧创作从“小众精英化”走向“大众共创化”，从“线性单一化”走向“立体闭环化”。以往戏剧创作，大多是编剧独立创作、导演后期接手、演员被动演绎、观众被动观看，各环节彼此割裂，沟通成本高、磨合周期长、创作效率低。

而现在，“渝本计划”打通了编剧、导演、演员、观众的全链路，让创作不再是某一个人的孤军奋战，而是多方力量的集体共创。在“戏剧房子”，编剧、导演、演员、制作人甚至投资人围坐一堂，从剧本围读到排练打磨，从台词修改到节奏调整，全程参与、实时沟通；观众近距离观看演读，即时反馈感受、提出建议，成为创作的重要参与者。这种模式，不仅能快速打磨剧本、提升创作质量，更能培养未来的观众群体和潜在创作者，营造出“戏剧是一种生活方式”的文化氛围。

更难得的是，这套模式始终扎根本土，引导创作者深度挖掘巴渝文化、重庆故事，用当代视角、当代语言去诠释本土题材，让重庆故事既有文化根脉，又有时代质感。这种创新，不仅为重庆戏剧发展开辟了新路径，也为西部地区戏剧孵化提供了可借鉴、可复制的宝贵经验。

解码演读

裸排见真章，打磨立体鲜活剧本

剧本演读，是“戏剧房子”最核心、最独特的孵化形式。没有华丽的舞美灯光，没有精致的服装道具，没有复杂的舞台调度，只有演员的声音、身体与真诚演绎，这种“裸排”式演读，看似简陋，实则是检验剧本内核、打磨创作细节最直接、最有效的方式。在颜璟莹眼中，演读不是简单的剧本朗读，而是剧本从“案头文学”蜕变为“剧场艺术”前，一场至关重要的“矫正试炼”。

允之：您连续执导六部签约作品，在您看来，剧本演读这种形式，对于尚在襁褓中的原创剧本，最大的孵化价值体现在哪里？

颜璟莹：演读的核心价值，在于为青涩的原创剧本提供一个珍贵的“矫正期”，让剧本在正式登台前，完成从“纸面文字”到“立体戏剧”的蜕变。剧本写在纸上，是无声的、静态的文字，编剧创作时，很难完全预判台词念出来的节奏、人物演绎出来的张力、剧情推进起来的流畅度。但在演读现场，文字会变成有声的、动态的表演，所有问题都会暴露无遗——拖沓的台词、扁平的人物、断层的剧情、模糊的内核，在演员的演绎和观众的注视下，无处遁形。

演读从来不是编剧一个人的战斗，而是导演、演员、编剧的集体头脑风暴。导演会从舞台呈现、节奏把控、人物塑造的角度提出修改建议；演员会从台词表达、情感传递、肢体演绎的角度，发现文本的短板；观众会从观剧感受、情感共鸣、剧情理解的角度，给出最真实的反馈。三方力量碰撞，能精准捕捉剧本的优缺点，帮编剧看清文字背后的问题，找到优化方向，把单薄的文字打磨成经得起推敲、扛得住演绎、打动得了观众的“立体剧本”。

简单说，演读就像一台精密的显微镜，照出台词是鲜活还是僵硬、剧情是紧凑还是拖沓、内核是深刻还是空洞；也像一次温柔的正骨，帮青涩剧本“矫正偏差、补齐短板”，让它们有底气走出排练厅，去面对更挑剔的市场和更残酷的票房检验。

允之：您执导的《何以为刀》获得优秀演读作品奖，这部作品在演读打磨中发生了哪些质的变化？能分享具体的创作案例吗？

颜璟莹：《何以为刀》是我非常喜爱的一部本土原创作品，它题材独特，融合了神话元素与人文思考，但最初的剧本，其实面临很大的呈现难题。原剧本大量运用古言文字、神话独白，文字质感优美，但念出来晦涩难懂、节奏拖沓，演员难以理解人物情感，观众也很难代入剧情、读懂故事内核。

感谢编剧钟吉成老师的信任，把打磨修改、二度创作的工作全权交给我。结合过往创作经验，我另辟蹊径，借鉴荒诞喜剧的创作手法，将这部偏严肃的神话题材，改编成荒诞喜剧风格，还融入rap等现代时尚元素，把高高在上的神话人物“请下神坛”，变成生活中随处可见的普通人，用夸张、无厘头的表演手法，化解古言文字的晦涩，让故事更接地气、更易理解。

打磨过程中，我们逐字逐句修改台词，简化复杂表述、调整语言节奏；重新设计人物性格，赋予神话人物鲜活的市井气息；优化剧情节奏，删减冗长独白、增加互动冲突。经过反复打磨，整部作品焕然一新，原本晦涩难懂的神话故事，变成了生动有趣、笑点密集、内核深刻的荒诞喜剧，观众看得懂、笑得出来、悟得到内涵，最终获得优秀演读作品奖。这个过程让我深刻体会到，演读不是简单的呈现，而是二次创作、价值升华，这可能让一部剧本，慢慢蜕变成更优质的作品。

允之：在没有舞美灯光、服装道具加持的“裸排”状态下，您是如何帮助剧本找到最本真的戏剧内核的？

颜璟莹：很多人觉得“裸排”是条件匮乏，但在我看来，裸排是刻意为之的减负，是回归戏剧本源的过程。华丽的灯光、炫目的音效、精致的服装，有时会成为剧本的“遮羞布”——节奏拖沓、内核空洞的剧本，可能会被炫目的舞台效果掩盖，让观众忽略本质问题。而裸排状态下，所有外在修饰全部剥离，一切回归到演员的身体、声音、对手戏交流，回归到剧本本身的故事、人物、内核。

这种状态下，我会带着团队，聚焦三个核心：找人物、捋剧情、挖内核。逐段排练，感受人物的情感逻辑、行为动机，让人物立起来；梳理剧情脉络，删减冗余情节、强化关键冲突，让剧情顺起来；深挖故事背后的思想内涵、情感价值，找到剧本最核心、最动人的内核，让故事有魂。

经过裸排打磨，我们能清晰知道剧本的“核”是什么——是小人物的孤独、是时代变迁的无奈、是人性本真的坚守。后续正式排演时，舞美灯光、服装道具不再是炫技的工具，而是为内核服务的辅助，灯光聚焦情感、音效烘托氛围、服装贴合人物，让技术与内容完美融合，提升作品质感。这种由内而外的创作，才能让剧本真正扎根舞台、打动人心。

跨界共生

打破圈层壁垒，培育全民戏剧土壤

戏剧从来不是小众的艺术，而是大众的文化。但长期以来，戏剧被贴上“高雅艺术”的标签，局限在专业圈层、精英圈层，与普通大众距离遥远。而“戏剧房子”打破了这种壁垒，承办方剧80剧社大胆采用“专业演员+素人演员”的跨界组合模式，让教师、学生、公务员、自由职业者等各行各业的戏剧爱好者，登上舞台、参与创作，让戏剧走出剧场、走进生活，重构重庆戏剧生态的底层逻辑。

允之：“戏剧房子”同时邀请专业院团演员和素人演员参与演读，这种模式对于打破戏剧圈层、培育戏剧观众土壤，有着怎样的深远意义？

颜璟莹：“专业+素人”的组合模式，表面看是解决演员来源问题，实则是重构城市戏剧生态、培育全民戏剧土壤的关键一步。以往戏剧圈层固化，专业演员扎根剧场、专注创作，普通大众只能坐在台下被动观看，两者之间隔着一道无形的墙，戏剧成了少数人的艺术，观众基础薄弱、传播范围狭窄。

而现在，素人演员登上舞台，参与剧本围读、排练打磨、舞台演绎，从观众变成参与者、从旁观者变成共创者，这是身份的彻底转变。当一个人亲历一部戏剧从无到有的全过程，他对戏剧的认知会彻底改变——不再是看热闹，而是看门道；不再是被动接受，而是主动共情。更重要的是，素人演员来自各行各业，他们天然连接着各自的社群资源：教师连接校园、社区工作者连接社区、上班族连接职场，他们会不自觉地向身边人分享戏剧、推荐演出，成为最忠实、最有效的戏剧传播者。

这种模式，打破了专业与业余、高雅与通俗、剧场与生活的壁垒，让戏剧不再是遥不可及的奢侈品，而是触手可及的生活方式；让更多人了解戏剧、热爱戏剧、走进剧场，培育出庞大的、懂戏的观众群体，为重庆戏剧发展筑牢最深厚的群众基础。

允之：与素人演员合作时，他们未经雕琢的本真状态，是否也反过来影响了您对专业戏剧创作的思考？

颜璟莹：当然会，而且这种碰撞带来的启发，比专业创作更纯粹、更真实、更动人。专业演员长期深耕舞台，容易形成固化的表演模式、程式化的表达习惯，有时会刻意追求技巧、设计动作，反而忽略了表演最本质的东西——真实、真诚、真情。

而素人演员不一样，他们没有专业技巧的束缚，没有表演模式的固化，站在舞台上，呈现的是最本真、最鲜活、最生活化的状态。一个教师演员下意识的教学手势、一个上班族演员自然的肢体反应、一个学生演员青涩的情感表达，这些未经雕琢的细节，往往比专业演员精心设计的动作更真实、更有感染力，更贴近生活本质。

素人的“拙”，恰恰激活了专业的“技”，让我重新思考戏剧创作的核心：戏剧的本质是“人”的表达，是真实情感的传递，而非技巧的堆砌。与素人合作，让我学会放下固有思维、回归生活本身，在专业创作中，更加注重挖掘人物的生活质感、情感本真，打破程式化表演，让戏剧更接地气、更有温度、更动人。

同时，这些素人演员回到各自的职业领域，会成为一颗颗散落全城的戏剧种子，悄然改变身边人对戏剧的认知，带动更多人参与戏剧、热爱戏剧。一个有生命力的戏剧生态，必然是金字塔结构：塔尖是专业院团的高质量演出，塔基是大量社区剧团、校园剧团、业余剧社，而“戏剧房子”的模式，正是在培育塔基，让重庆戏剧生态枝繁叶茂、生生不息。

薪火相传

激活人才梯队，凝聚本土新生力量

人才是戏剧发展的核心竞争力，重庆戏剧要实现高质量发展、打造“渝字号”品牌，离不开一代代戏剧人的传承与接力。颜璟莹从重庆市话剧院的青年演员，成长为孵化一线的核心导演，深刻见证了重庆戏剧人才队伍的成长与蜕变，也深知人才梯队建设、青年力量培育的重要性。在她看来，重庆戏剧的未来，在于激活青年力量、培育复合型人才、构建可持续的人才生态。

允之：您认为重庆戏剧编剧、导演、演员队伍的现状如何？“戏剧房子”在发现和培养本土戏剧人才方面，发挥了怎样的作用？

颜璟莹：重庆戏剧人才队伍现状可以概括为：断层明显、正在觉醒、潜力巨大。老一辈艺术家经验丰富、功底深厚，是行业标杆；中年创作者承上启下、中坚力量，支撑行业发展；但青年人才断层明显，专业编剧、新锐导演、优秀青年演员数量不足，创作视角、创作思维也需要进一步突破。

不过，近年来随着“渝本计划”“戏剧房子”的推进，情况正在悄然改变，一批有想法、有热情、有潜力的青年创作者开始涌现。他们中，既有重庆市话剧院的青年编剧、演员，也有在校大学生、非科班的民间创作者。他们的创作技巧或许不够成熟，创作经验或许不够丰富，但视角鲜活、思维活跃、情感真挚，带着真实的重庆生活质感，恰好弥补了专业创作者“技巧有余、地域不足”的短板。

而“戏剧房子”，就是培育这些青年人才的实战训练场。它降低创作门槛，让任何有创作热情的人都能被看见、被支持；提供试错空间，允许不成熟、允许不完美，让青年创作者在实践中积累经验、打磨能力；搭建交流平台，让青年创作者与资深艺术家、专业演员同台交流、相互学习，快速成长。

这两年，我亲眼见证了一批青年编剧、演员的蜕变：从青涩懵懂到从容自信，从技巧稚嫩到成熟稳重，从默默无闻到崭露头角。他们是重庆戏剧的新生力量，更是未来希望，而“戏剧房子”，正是他们成长的沃土、起飞的平台。

允之：您从演员转型为孵化导演，这种身份转变，让您对重庆戏剧人才梯队建设有了哪些新的思考？

颜璟莹：从演员到孵化导演，身份的转变，本质上是视角的翻转、责任的升级。作为演员时，我的核心任务是把角色演好、把作品呈现好，思考的是表演技巧、角色塑造；而作为孵化导演，我的核心任务是培育人才、打磨作品、构建生态，思考的是创作逻辑、人才成长、行业发展。

这种转变，让我深刻意识到：戏剧人才培养，不能只靠“征稿”“招聘”，而要靠长期的训练场、试错空间、交流平台；导演、演员不能只做作品的执行者，更要做剧本孵化阶段的“顾问”，更早介入创作，参与剧本打磨、逻辑梳理、细节优化。

同时，我格外关注复合型人才的培育——既懂剧本创作、又懂舞台表演、还懂导演调度的“多面手”。这类人才兼具文本思维与舞台思维，能更好地平衡创作与呈现，推动作品高质量落地。未来，重庆戏剧人才梯队建设，应该有意识地挖掘、培育这类复合型人才，为行业发展注入多元活力。

我始终坚信，重庆从不缺热爱戏剧、深耕创作的人，缺的是让他们成长、发光、绽放的平台。只要持续深耕孵化、培育人才、凝聚力量，重庆戏剧人才梯队一定会越来越完善，青年力量一定会越来越强大，重庆戏剧的未来，一定会更加璀璨。

展望未来

锚定渝字号，构筑有温度的戏剧大厦

站在重庆直辖三十年的重要历史节点，重庆戏剧迎来了前所未有的发展机遇：第十四届中国艺术节斩获多项国家级大奖，“渝本计划”连续三年获得中央专项资金支持，本土戏剧影响力持续扩大，“渝字号”戏剧品牌雏形初现。在颜璟莹心中，机遇与责任并存，未来，她将继续扎根本土、深耕孵化、创新突破，助力重庆戏剧构建完整生态、打造特色品牌、走向更广阔的舞台。

允之：紧扣“重庆直辖三十年”节点，2026年“渝本计划”提出构建川渝联动、辐射全国的创作格局。您认为重庆戏剧要真正树立“渝字号”品牌，还需要在哪些方面持续发力？

颜璟莹：“渝字号”戏剧品牌，不是简单的地域标签，而是扎根巴渝文化、反映时代精神、彰显重庆气质、具有全国影响力的戏剧标识，像《茶馆》之于北京、《白鹿原》之于陕西，成为地域文化的名片、时代精神的载体。要真正树立“渝字号”品牌，核心要做好三件事：深挖本土内核、打磨精品力作、构建传播矩阵。

首先，深挖本土内核，跳出“方言符号”，深挖文化根脉。目前部分本土创作，停留在方言俚语、市井符号的表面，缺乏深度。真正的“渝字号”，要深入挖掘巴渝文化的精神内核、重庆城市的时代变迁、重庆人的精神特质，用当代视角诠释本土故事，让作品有文化厚度、精神高度、情感温度。

其次，打磨精品力作，以质量为核心，打造标杆作品。品牌的核心是作品，只有源源不断推出思想深刻、艺术精湛、群众喜爱的精品力作，才能树立品牌、扩大影响。像重庆市话剧院的《谁在敲门》，就是用川渝外壳装时代内核的优质作品，在国家级舞台展现了重庆戏剧的实力，这就是“渝字号”的标杆。未来，要持续扶持这类精品创作，以精品立品牌、以精品赢口碑。

最后，构建传播矩阵，打破地域限制，扩大全国影响。好作品需要好传播，要借助新媒体、新渠道，讲好重庆戏剧故事，让更多人了解重庆戏剧、喜爱重庆戏剧；同时加强川渝联动、全国交流，推动本土作品走出重庆、走向全国、走向世界，让“渝字号”成为全国戏剧界认可、群众喜爱的响亮品牌。

允之：您希望未来，在“渝本计划”“戏剧房子”的根基之上，共同建造起怎样的重庆戏剧大厦？

颜璟莹：如果说“渝本计划”是浇筑地基、锻造钢筋，“戏剧房子”是搭建框架、填充血肉，那么未来，我希望与重庆市艺术创作中心、所有戏剧同仁一起，建造一座真正属于重庆、有温度、有筋骨、有辨识度的戏剧大厦。

这座大厦，根基扎在巴渝沃土，承载着千年巴渝文化、百年城市记忆、时代发展脉搏；楼层林立、多元共生，既有专业院团的精品殿堂，也有基层孵化的创作工坊；既有经典剧目的传承演绎，也有原创作品的创新突破；门窗向大众敞开，没有圈层壁垒、没有距离隔阂，普通市民能走进来、坐下来、看进去，为重庆故事欢笑、落泪、共鸣；屋顶向世界延伸，带着重庆气质、中国精神，走向全国、走向世界，成为重庆文化软实力的重要名片。

我始终相信，重庆故事足够动人、重庆文化足够深厚、重庆戏剧人足够执着。只要我们坚守初心、深耕本土、携手同行，这座戏剧大厦，一定会拔地而起、熠熠生辉；重庆戏剧，一定会迎来繁花似锦、生生不息的美好未来。

结语：

以热爱之火，照亮本土戏剧前行之路

从演员到导演，从舞台演绎到孵化深耕，颜璟莹始终扎根重庆本土，以热爱为魂、以专业为基、以坚守为魂，深耕孵化一线，培育新生力量，助力本土戏剧从青涩走向成熟、从本土走向广阔。她见证了重庆戏剧孵化生态的从无到有、从弱到强，也见证了无数本土故事、本土创作者的成长蜕变。在重庆戏剧高质量发展的浪潮中，还有无数像颜璟莹一样的戏剧人，他们坚守初心、深耕本土、默默耕耘、执着创新，以一己之力汇聚成推动重庆戏剧发展的磅礴力量。道阻且长，行则将至；行而不辍，未来可期。相信在一代代重庆戏剧人的坚守与耕耘下，巴渝沃土终将绽放戏剧繁花，重庆故事终将传遍千里万里，我们的戏剧，终将书写属于自己的辉煌篇章。